Pour les quelques égarés n’en ayant jamais entendu parler, ce festival de l’affiche regroupe des productions internationales de nombreux designers, et permet une réflexion et un état des lieux sur le graphisme contemporain, ainsi qu’un concours professionnel et étudiant. Pour chaque édition, l’affiche est confiée aux bons soins d’un graphiste reconnu.

Et chaque année, la masse des graphistes francophones s’insurgent devant le parti pris de cette affiche représentative. Et 2013 ne déroge pas à la règle :
La production de Christophe Jacquet dit « Toffe » emballe la toile, et récolte les commentaires les plus agressifs et les comparaisons les plus déshonorantes.

Et je pense que c’est là l’occasion de se faire un peu l’avocat du diable, ce site étant justement la pour dénoncer les clichés du graphisme, cette affiche en étant à l’antipode.

Lorsqu’on se décide à critiquer une production graphique, il semble légitime d’avoir avant tout regardé un peu qui se cache derrière.

En l’occurrence Christophe Jacquet est un graphiste confirmé (même si cette dénomination n’est pas forcément la plus approprié), adepte des contre-pieds au fort parti pris.

Son travail a d’ailleurs fais l’objet d’une rétrospective en 2005 à Chaumont. (où les poissons étaient déjà à l’honneur dans la chapelle des Jésuites.)

reproduction générale. xvie festival international des arts graphiques. chapelle des jésuites. chaumont. 2005

Si j’en viens là, ce n’est pas pour banalement justifier cette affiche : « Le mec est connu, donc son travail est bien ».

Non je vous invite plutôt à vous pencher sur ses productions. Le premier truc qu’on remarque, c’est la prédominance du rose. Griffe récurrente de ses projets, elle permet mieux qu’une signature de révéler aux connaisseurs l’identité de l’auteur.

Ceci élucide le principal mystère : Cet intérêt pour le rose saumon est l’une des clés de compréhension de l’affiche : la couleur de la typographie, et son dessin enfantin répond à cette blague potache de la confusion Saumon/Chaumont, rappelant la chair que l’on devine à l’intérieur de ce poisson qui interroge.
Car c’est là une qualité indéniable de cette affiche : elle surprend et attire le regard, quoi qu’on en dise.

Et elle demande donc forcément une seconde lecture, cette écriture illisible forçant le déchiffrage de l’information. La déformation des lettres fait-elle écho au scanner présent en fond, et aux expérimentations de nombreux graphistes avec les accidents de reproduction?

Toujours est-il qu’en s’affranchissant de l’utilisation d’une typographie plus classique, cette affiche devient impossible à catégoriser, et à identifier à un « style ».
Et si cela dessert le message principal, le sens n’en est que plus fort : On a ici une oeuvre qui n’entre pas dans les cases du graphisme contemporain, qui s’en échappe et s’impose en dehors de toute normalisation, tout en assumant pleinement l’identité de l’artiste. Artiste, car ses productions sont effectivement à la frontière entre l’art et le graphisme, dans la digne lignée des graphistes auteurs qui défendent une certaine vision de leur travail et dont Chaumont est un lieu particulièrement emblématique.

« There’s a big problem in France. You have to be graphic design or art, you can’t be both. This is shit. I am happy to say that I am a graphic designer.” Toffe

Et le croisement entre cette typographie effrontément manuelle, et ce scanner détourné de son rôle initial, est l’incarnation parfaite de l’importance que revêt pour lui le processus de fabrication, et la production née de la rencontre entre le numérique et le physique, et la commande et la création « pure ».

« Ma production graphique est […] un espace où le graphisme et l’art cohabitent au sein d’une terminologie qui incarne la méthode de travail. » Toffe

Pour conclure, je comprends que cette affiche, hermétique au premier abord, en laisse plus d’un sceptique. On est effectivement très éloigné des codes du graphisme tel que certains l’entendent.
Et je ne crois pas qu’il viendrait à l’esprit d’un public de dire d’une oeuvre d’art « Bon, elle est moche, ils vont la refaire », et même si on entends « je trouve ça moche, ça veut rien dire », la plupart des amateurs d’art ont la décence de se dire qu’ils n’ont juste pas toutes les clés nécessaire à la compréhension de l’oeuvre, ce qui suscite leur curiosité. De la à entendre que c’est à cause de ce bonhomme qu’on prends les graphistes pour des guignols.. c’est un peu le monde à l’envers.

« Chez Toffe, ce qui importe plus que l’objet fini, c’est l’énergie mise au service du procédé de création et d’organisation, d’installation ou de construction de ce dernier. Pour favoriser l’émergence d’un espace critique, hybride, entre la communication visuelle et l’art contemporain. » Pierre Ponant

Pourquoi agir de manière aussi obtus avec une affiche sensée s’adresser à un public averti du graphisme? Un public capable justement de ne pas se bloquer, mais d’aller chercher plus loin le sens, le message que l’auteur tente de faire passer ? Quoi de plus approprié qu’un festival de l’affiche pour interroger, remettre en question les codes habituels du graphisme, pousser à la réflexion sur l’oeuvre mais aussi sur le métier de designer en lui-même, et ses frontières avec l’Art?

Chaumont est un lieu familier des polémiques depuis quelques années, et j’espère réellement que cette affiche dadaesque permettra d’ouvrir un débat mérité sur ces questions, ou amènera certains graphistes, designers, étudiants ou public, à s’interroger sur le rôle et le sens des images que nous produisons et qui nous environnent.

Cela fait quelques jours que je vois le retour sur twitter du fameux tumblr Your Logo is Not Hardcore. J’en profite donc pour vous faire découvrir une analyse intéressante et très complète de l’origine de ces fameux logos en croix, apanage des identités visuelles à la mode, preuve en est le (plus tout à fait récent) tumblr Hipsterbranding.

J’avais commencé a rédiger l’historique de cette fameuse croix, mais Dezzig a sorti un dossier bien plus complet qui propose une lecture bienvenue :

X-story 1/4 : mon logo n’est pas « hipster » !

X-Story 2/4 : punk so british ?

X-story 3/4 : Croisez vos bataillons !

X-story 4/4 : What else ?

En passant de la symbolique de la croix de Saint-André ou Saltire, à la naissance du mouvement punk et hardcore, en passant par l’iconographie western, il retrace les utilisations de ce signe à travers l’histoire et la culture populaire, tentant d’expliquer ce regain d’intérêt du petit monde des designers.

Extraits :

« Tous ces « X-shaped » logos ont l’air facile à dessiner car ils sont simples. Ils constituent pourtant un héritage, une symbolique ancienne qui suggère une éthique, une force particulière. »

« Le logo en croix était un moyen tout bête pour se fabriquer un logo anti-social : un non-logo complètement issu de la contre-culture américaine. »

« Les logo en X sont donc une protection, un refuge nostalgique dans lequel on peut rêver à des mondes imaginaires et ludiques. Un monde pour grands enfants compliqués issus de la génération « X », certes, mais avec la recherche permanente du compromis entre « fait-main » et haute qualité. »

Le sujet est large, et connaitre les influences réelles de ce symbole est une tâche difficile, est-ce donc réellement un effet de mode ou la simple continuation d’une tradition légitime ? Toujours est-il que si vous souhaitez réaliser le votre en deux secondes, vous pouvez toujours utiliser le générateur de logo en croix.

Darko par Uppertype

Vous les avez déjà croisées un peu partout, ces typos mêlant symboles ésotériques, formes fantasques, à la limite du lisible, et pourtant Ôh combien hype. Et le tumblr au ton agacé les recensant méritait bien un article :

http://experimentalsans.tumblr.com/

Le nom parle de lui même, et la description d’autant plus :

« I’m so tired of your experimental sans »

Il est vrai qu’on peut parfois se demander si la création de ces fonts n’est pas qu’un moyen pour certains typographes en herbe de s’affranchir des problèmes inhérents à une vraie police d’écriture ou de titrage, en justifiant cela par une quelconque liberté artistique. On retrouve beaucoup d’exemple sur le site ten dollar font, qui en soi est une plate forme intéressante.

Certains en usent cependant avec efficacité, notons par exemple le travail de Ill Studio pour le nouveau casino :

Ill pour le Nouveau Casino

Et d’autres justifient leur projet de manière cohérente, comme la typographie Al-Kimiya de Benjamin Varin et Pierre Ferrandez.

Al-Kimiya par Benjamin Varrin et Pierre Ferrandez

A croire que l’alchimie est une source d’inspiration, vu l’existence de cette autre typographie prénommée, elle, Alquimia, dont le tracé a été joliment animé.

Alquimia

Prédisons que ce genre de fonts ne disparaitra pas de sitôt, et tant mieux, vu a quel point certaines sont intéressantes quand elles sont bien utilisées, comme ce très beau projet de Josip Kelava :

Melbourne Dance Compagny par Josip Kelava

Il faut dire qu’ils étaient les mieux placés pour ça, recensant sans cesse les manies de graphistes, et les effets visuels omniprésents dans les posters actuels.

On retrouve donc les principaux codes qui ont fait la richesse de cette collecte, du IK Blue au Slash, en pensant par la typo barrée. Si on pouvait ajouter la distorsion de texte, ça serait parfait !

Voilà à quoi ressemblerez donc une affiche pour Poncifs, tout en finesse.

Classe, n'est-il pas?

Amusez vous donc, c’est par ici !

Avant de revenir sur le contexte de ce combat virtuel dont Apple est le principal champ de bataille, arrêtons nous un instant à la définition de ce mot tendance, qui remplacera sûrement dans les open space les termes éculés de curation et responsive dans les mois à venir.

Le skeuomorphisme est un néologisme désignant le fait de représenter un élément de design de manière ornementale d’après les caractéristiques d’un objet réel ayant une fonction similaire.
Il s’agit notamment d’une réponse possible à une problématique d’affordance.
Pour en finir avec les termes hermétiques, l’affordance est la capacité d’un objet à suggérer sa propre utilisation. Autrement dit, permettre à l’utilisateur de comprendre intuitivement le rôle d’un objet ou d’un élément, en faisant appel à des signifiés connus.

Le skeuomorphisme joue donc sur la récupération de textures et d’effets issus du monde physique pour induire l’utilisation de leur pendant digital.

Ce concept n’est pas nouveau, et à un vrai sens historique. C’est notamment l’effet diligence qui est en cause :

« Une invention technique met un certain temps à s’acclimater pour devenir une innovation, au sens de Bertrand Gille, c’est-à-dire à être socialement acceptée. Pendant cette période d’acclimatation, des protocoles anciens sont appliqués aux techniques nouvelles. Les premiers wagons avaient la forme des diligences . » Jacques Perriault

C’est aussi pour ça que les filtres de cigarettes imitent encore le liège qui les enrobaient au début (pour éviter de mouiller le papier), ou pour s’approcher du domaine nous intéressant, que la corbeille sur l’ordinateur a une forme réelle de corbeille, ou que l’icône téléphone a encore cette forme de combiné qu’on ne voit quasiment plus.

Car c’est là le sens que beaucoup entendent en parlant de skeuomorphisme ces derniers temps : l’application digitale, et plus particulièrement mobile.

Revenons à Apple qui est l’ambassadeur le plus flagrant de cette tendance. Poussés par Steve Jobs, les designers (dont Scott Forstall, récemment licencié ) ont poussés ce concept de plus en plus loin dans les applications de l’appStore.

Et cela est mu par une volonté bien légitime : Celle de combler le fossé entre réel et virtuel dû a l’apparition des nouvelles technologies et de faciliter l’apprentissage des nouveaux usages.
Et cette volonté est bien ancrée dans l’histoire d’Apple et ne date pas d’hier.

Thomas Brand, dans un très bon article sur l’histoire du skeuomorphisme chez Apple, rappelle que Steve Jobs a pleinement participé à l’histoire de la métaphore du bureau avec l’apparition du premier Mac, ainsi qu’à la démocratisation des termes « files » et « folders » par exemple :

« Before the Mac there was no skeuomorphism, because there was no graphical user interface. »

Et ce jusqu’à l’iPhone. Austin Carr raconte dans un article très critique sur le skeuomorphisme la désormais fameuse anecdote comme quoi le cuir du jet privé de Steve Jobs était à l’origine des coutures du cuir de l’application iCal.

Toujours est-il que la majorité des applications Apple, que ce soit en mobile, en tablette ou sur ordinateur, intègre désormais pour la plupart un design skeuomorphique. Et c’est là ce qui a causé l’irritation de nombreux designers.

Face à la surabondance de ces effets graphiques, que certains n’hésitent pas à taxer de masturbation visuelle (cela rend-il aussi aveugle ?), de nombreux designers ont commencés à critiquer cette approche.

Avant même d’entrer dans un débat esthétique, rappelons quelque chose :

Quels sont les contextes inappropriés donc ? La principale critique envers le skeuomorphisme est surtout la surenchère d’effets, qui empiète au final sur l’ergonomie et l’expérience utilisateur.

Skeu.it recense ainsi les applications et sites web abusant de cette technique, et les problèmes que cela engendre.

Mais prenons un autre exemple Apple : l’application Podcast.

Cette application se réfère en effet à quelque chose de dépassé : qu’est ce que la nouvelle génération connaît aux lecteurs cassettes ?
On perd ici le sens premier de ce choix, et qui au lieu d’aider à passer d’une habitude réel à son pendant virtuel, ne fait que complexifier l’utilisation par une vraie régression, à travers une métaphore mal choisie. Cela pourrait être pire ceci dit.

A force de trop vouloir coller à la réalité, on finit par faire des choses sensées participer à la découverte intuitive d’une application, et l’on finit par perdre toute notion de logique, allant même à l’encontre de certains principes désormais ancrés dans les habitudes des utilisateurs.

Je m’explique : Lorsque Apple sort par exemple iBooks, l’utilisateur découvre un environnement tout droit sorti du réel. Une étagère en bois, sur laquelle est disposée des livres, bien espacé.

Alors effectivement, l’utilisateur saisit de suite le sens et le rôle de cette application (au cas où le nom n’a pas été suffisamment clair).
Mais qu’en est-il de l’ergonomie ? On se retrouve avec des couvertures plus ou moins lisibles, sans complément d’informations, espacées de manière peu naturelle pour le coup, ce qui nous fait d’ailleurs perdre beaucoup d’espace utilisable. Était-ce le moyen le plus pertinent pour aider le lecteur à choisir son livre, ou a avoir en un regard les informations l’intéressant, tel que l’auteur, l’éditeur, la note des lecteurs ou que sais-je encore ?
Cette entrée du modèle mental « bibliothèque » dans le virtuel entre de plus en confrontation avec les autres modes de visualisations que l’utilisateur a pu intégrer grâce au digital.
Car en effet, pour les néophytes, l’application est explicite. Mais pour tout ceux ayant déjà eu affaire à l’informatique, cette présentation n’est-elle pas superflue ? Les listes déroulantes sont entrées dans les mœurs, et toutes les jeunes générations ont une aisance totale avec ces modes de classement.

Dernier exemple : l’application Notes de l’iphone.

La mission est réussie : cela saute aux yeux que c’est une application pour noter des choses. Le papier jaune, les lignes, le cuir, les pictos vacillants. Et cette typographie dont le confort de lecture est carrément inexistant.
Avez-vous déjà testé une autre application d’écriture ? Je vous invite à essayer iAWriter, qui est à mes yeux extrêmement bien conçue, du clavier à la gestion des documents, en passant par le soin apporté à la typographie et à la casse.

Et c’est là qu’on comprends que Notes sert effectivement simplement.. à noter.
Rien de plus.

Car c’est la depuis toujours la volonté d’accessibilité d’Apple : produire des devices à la simplicité excessive, quitte à enfermer l’utilisateur dans un modèle unique.

Ainsi, le choix du design est justifié : En un regard sur l’interface, l’utilisateur sait à quoi tout correspond. Quitte à ce qu’il ait l’impression d’être pris pour un demeuré.
Pour une utilisation poussée, il existe d’autres applications. Mais pour celles que souhaite Apple, didactiques, simples d’usages, chaleureuses et humaines, le skeuomorphisme est judicieusement employé. Quoique parfois à outrance (n’est ce pas, GameCenter ?)
Notons par ailleurs que l’application Bourse a été épargnée, notamment parce qu’en l’occurrence il ne s’agit pas d’un objet d’amusement. Ne nécessitant pas d’ornements, l’utilisation d’une métaphore dans le design n’aurait fait que gêner la lecture des informations qui est son rôle essentiel.

Je vous conseillerais la lecture d’un article de Tobias Ahlin intitulé skeuomorphism & storytelling qui détaille la volonté sous-jacente d’Apple de cibler précisément l’utilisation de ses applications, afin de les « habiller » du rôle qui leur est dévolues.

Il donne l’exemple de photobooth, dont le redesign peut apparaître au premier abord gratuit et lourd, mais qui donne le ton de l’application : une manière fun de s’amuser et de se prendre en photo, ce que l’interface précédente, froide et indifférenciée, ne suggérait absolument pas.

Lorsqu’il s’agit de la transcription réelle d’un objet existant, et à vocation ludique, le skeuomorphisme est idéal pour pousser l’expérience. On retrouve un plaisir véritable à jouer sur un piano joliment designé, à découvrir une boussole, ou à tripoter les potards d’un élégant synthétiseur, permettant de prolonger ou redécouvrir les plaisirs de gestes familiers, ou à défaut, de satisfaire ses yeux durant un moment agréable.

jonas eriksson

Car on entre la dans le champ du design émotionnel, où beaucoup s’accorderont à dire que les interfaces en aplat de gris ne sont pas vraiment les plus agréables à utiliser.

Au delà de ça, il s’agit même d’un débat esthétique quand à l’habillage d’une interface utilisateur. C’est le débat traditionnel entre minimalisme et figuratif.

D’autres systèmes existent cependant, et on peut noter l’effort radicalement opposé de Microsoft avec son Windows 8 et son interface Metro.

Et cela marche relativement bien. En effet qu’est ce qui justifierait ici de mettre une texture papier, un volume et un mini tampon à l’icône de l’enveloppe, que chacun sait identifier comme l’icône Mail ?

Certains pensent qu’avec la responsabilité du design de l’interface confiée à Jonathan Ive, responsable du design industriel, Apple va revenir à des interfaces plus épurées, ce qui a fait le succès de ses appareils.

Cependant, il est important de noter une tendance émergente, et basée sur un autre besoin réel : l’apparition des écrans tactiles a aussi entrainé la perte de tout retour haptique. L’écran lisse ne permet plus aucun feedback, et on sait à quel point cela peut être nécessaire d’avoir un retour physique d’une action digitale. (Pensez à l’utilité du son de l’obturateur se déclenchant lors de la prise d’une photo, qui est une forme de skeuomorphisme.)

Je ne parle pas ici de la fonction déjà intégré dans certains smartphones activant le vibreur au toucher, mais d’une nouvelle technologie permettant grâce à de micro vibrations de retranscrire la sensation de différentes textures sur un écran tactile.

Que ce soit les chercheurs de l’EPFL ou la société Senseg, les recherches dans ce domaine sont de plus en plus probantes, et ouvrent de nouveaux champs d’applications. Et Apple a déjà déposé un brevet dans ce sens en 2010.

En plus de pouvoir démocratiser les appareils tactiles aux non-voyants, on peut imaginer l’intérêt de pousser plus loin le skeuomorphisme en accordant le toucher et vue, et d’offrir des interfaces utilisateur plus immersives, notamment dans tout ce qui est du domaine ludique.

Espérons cependant que l’application future de cette innovation ne sera pas à l’origine d’un nouveau concours de celui qui utilisera le plus de texture dans le même écran.

Pour conclure, le skeuomorphisme, aussi décrié qu’il soit, a encore de beaux jours devant lui. Lorsqu’on voit le nombre de productions sur dribbble et l’engouement de nombreux designers pour ce défi de représentation, on peut cependant espérer que le regain d’intérêt pour l’User Experience puisse juguler l’excès de mimétisme que tout le monde subit ces derniers temps.

Gardons en tête qu’il s’agit d’un outil utile dans certains cas, notamment dans les applications visant les personnes peu sensibles au digital.

Mais l’une des problématiques du skeuomorphisme, que soulève Michel Rousseau dans la vidéo ci-dessus, est que ce paradigme n’est pas apte à se renouveler : à force de copier la réalité, on se limite aux choses existantes, voir en voie de disparition.

Et il est en effet à mon avis bien plus intéressant de chercher à créer un nouveau langage digital, à pousser les gens à se les approprier et à permettre ainsi à toute une nouvelle génération d’intégrer des codes culturels nouveaux qui permettront de s’émanciper des contraintes physiques et d’expérimenter ainsi de nouvelles interactions.

Je suis par exemple bien plus intéressé par une application tel que The fantastic Flying books of Mr. Morris qu’à une représentation fidèle d’un livre sur iPad, où rien n’est plus agaçant que de tourner des pages faussement réelles avec l’agaçant bruit rappelant les pdf en flash qu’on trouvait sur internet il y a 10 ans.

En parlant du web, sans abonder totalement dans le sens de l’article de Designpartan on peut tout de même regretter la tendance des débuts d’internet où les gens cherchaient à s’affranchir le plus possible du côté statique et réaliste, et cette volonté de mouvement, dont je parlais dans l’histoire du gif, a peu a peu été remplacée par cette copie du réel qui pour le coup n’a pas de raison autre qu’esthétique dans le design des sites web actuels, allant même jusqu’à renier les codes digitaux fraîchement acquis par les internautes.
(Bon, après, il est vrai que la gestion typographique actuelle est bien plus agréable à la lecture que les textes animés traversant l’écran sur fond de gif étoilé.)

Et c’est aussi pour ça que j’apprécie les expérimentations autour de l’HTML5 et du Webgl, qui même si effectivement reproduisent des chose qu’on faisait en flash il y a déjà des années, s’inscrivent dans cette dynamique de découverte de nouveaux usages purement digitaux, tell que la scroll mania qui a permis de se libérer du carcan des sites statiques qui devenaient la norme.

Et espérons que les futures innovations technologiques seront elles aussi le déclencheur d’une émulation créative qui permettra d‘inventer le futur, en refusant de copier le passé.

On a déjà tapé sur les manies des graphistes, mais la source semble inépuisable. C’est un ami qui m’a fait remarqué que l’affiche de la Paris Design Week était digne de poncifs. Non pas dans sa réalisation (quoique) mais plutôt dans la manière de la présenter.

Quelles raisons réelles poussent quelqu’un à présenter ses affiches de cette manière, tenue du bout des doigts, faisant du porteur un homme-sandwich moderne?
On peut penser qu’il s’agit de redonner un côté humain, vivant, à une production numérique, ne pas laisser l’image froidement présentée dans un navigateur. Cela permet aussi de juger une image imprimée, finalisée. Et de juger sa dimension. Peut-être qu’après tout, ce n’est que ça : un concours de celui qui a la plus grosse.

Toujours est-il que je ne vais pas m’attarder ici à recenser les gens portant des affiches de cette manière, certains le font déjà très bien, par exemple sur le site dédié http://www.peopleholdingposters.com/

Non, on va plutôt voir les graphistes persuadés d’avoir encore une fois produit quelque chose de cinglant et d’innovant. Jugez plutôt :

Il s’agit d’une sélection bien entendu non exhaustive. L’idée part d’un bon sentiment, faire prendre conscience à ceux n’ayant même pas deviné la tendance que porter son poster comme ça est définitivement dépassé.

Mais le côté inception graphique est au final quasiment aussi vu et attendu que l’objet de la critique. Et quand en plus la réalisation n’est pas à la hauteur, on se retrouve avec un autre effet de mode involontaire.

On peut tout de même saluer quelques productions intéressantes qui utilisent ce phénomène pour donner des affiches plus fines et amusantes.

C’est le cas par exemple pour les mecs de Sacrebleu ou le sympathique Graphic Fury :

Dans un style plus artistique, Jasper Goodall et son exposition Poster Girl utilisait cette technique avec habileté.

Enfin, quand on détourne la forme pour servir le propos, le résultat est d’autant plus justifié, comme cette affiche pour un retoucheur, réalisée par Mike Rigkby pour The Great Blandini.

Et pour finir, cette jolie oeuvre de Jonathan Keller Keller pouvant résumer à lui seul cet article avec ce poster unique :

Le triangle, ce truc on ne sait pas pourquoi, est devenu la putain de forme de référence des hipsters. Du coup, pour être un peu graphiste, tu le pose sur une photo de nature, tu vois, et ça fonctionne, par la sainte trinité.

Cet article n’a pas pour but de raconter l’émergence et l’utilisation première du format .gif, certains s’y sont attelés bien avant moi. Non, ce qui est intéressant, c’est d’analyser la raison du regain d’intérêt pour ce format ces derniers temps. J’ai décidé de finaliser cet article après avoir entendu moult fois « Non, mais le seul intérêt de Google+ par rapport à Facebook, c’est les Gifs.. ». Mais commençons quand même par un petit rappel historique.

L’intérêt premier du format gif (Graphics Interchange Format) était sa compression et sa rapidité d’affichage quel que soit la page. Le format a été rapidement étendu afin de permettre l’enregistrement de plusieurs images, et donc d’une animation. Et ce fut le début de la folie.



Rappelez-vous, dans les années 90, à l’époque où vous pouviez sur un seul et même site trouver un cheval de troie, des jeux flashs, et la recette du C4. Le background était étoilé, un air en .midi résonnait, et la typo rouge sanglante était entourée de gifs de flammes pixelisés. Pourquoi cet intérêt pour une image détériorée? Parce qu’elle bougeait. L’animation, c’est la clé du succès de ce format. En ces débuts du web, vaste champ d’expérimentation, tout ce qui pouvait se détacher du print était à prendre. Et ces images en mouvement symbolisait parfaitement la séparation avec l’impression figée.

Et ce fut le déferlement de tout et n’importe quoi. Cette période faste n’est plus actuellement représentée que sur les skyblogs, royaume du mauvais goût, où les licornes scintillantes et les Kiss pétillants perdurent encore : http://gifs-brillants.skyrock.com/

L’humour

Mais l’utilisation la plus répandue de nos jours est le gif drôle. Principe de base du comique de répétition, voir un papy tomber de sa chaise 15 fois d’affilée rajoute une certaine saveur. Le gif a remplacé la blague de la pause café, c’est à celui qui dénichera le meilleur, le plus incongru et qui le balancera discrètement à ses collègues.  On ne compte plus le nombre de site qui recense ces images en les classant par catégorie. (ou dans un joyeux fourre-tout comme sur 4chan ou sur tumblr) Certains vous balancent une mosaïque violente dans la tête, à vous de faire votre choix : gifgifgifgifgif.com, jaimelegif.com ou l’agréable suckmongif.com

Tant et si bien que les outils pour faciliter la création de ce format fleurissent dans tout les coins. On peut noter l’application récente Gif Shop, mais 3fram.es fais la même chose gratuitement, avec un aspect collaboratif en plus.

Certains se sont dit que l’image n’était pas suffisant, et que l’expérience serait plus complète avec du son. On a donc vu récemment l’apparition de Gifsound mais surtout de GIK, plus esthétique et très efficace. Ces deux sites proposent donc un outil très similaire à un concept déjà existant : Pown.it et z0r.de proposent des boucles en flash, généralement sur de la musique chiptune, donnant des animations farfelues plus complète et puissante que les gifs.

Trendy

Cette folie populaire, mais aussi sa réapparition quelques années après sa mort présupposée ont fait du gif un élément clé de la culture populaire internet, et a donc forcément été repris à toutes les sauces.

On peut noter cette campagne GIF Me More pour MTV Mobile Europe par l’agence Buzzman, proposant aussi un site pour l’opération. :

Cheerleader from BUZZMAN on Vimeo.

Cette esthétique rétro, résolument kitch, a aussi été reprise par différents artistes. On peut parler de ce clip non officiel pour Kanye West, réalisé par la All-Fingers à base de 84 gifs :

Ce qui leur a valu d’être contacté par Yelle pour la production, officielle cette fois, de son propre clip « la musique » :

C’est l’artiste MIA qui assume aussi totalement son image rétro geek, où son myspace fleurit de gif en tout genre.

Enfin, Evan Roth, connu principalement pour son implication dans le F.A.T et le G.R.L a aussi produit ce clip issu de sa collection de gifs en tout genre : http://cacheruleseverythingaround.me/

De l’Art?

Dernièrement, la dimension artistique du gif se fait plus réelle (même si certains restent conscients que ce n’est pas le cas). Tout d’abord, beaucoup ont dû voir passer les photos de Jamie Beck et Kevin Burg, utilisant le gif pour proposer des photographies de mode où seul un élément ou deux est en mouvement.

Nous sommes ici revenu à l’essence même du gif, le mouvement, permettant de proposer une forme de « photographie augmentée »,  possédant une dimension supplémentaire. Ce côté magique de l’instant capturé est maintenant permis par la vitesse de chargement qui n’était pas disponible au début d’internet. On est dans ce côté fantastique d’Harry Potter par exemple, avec les photographies animées sur le papier journal, rendant l’image vivante.

On peut noter aussi le travail similaire d’Ana Pais, restant elle aussi dans le détail, proposant des scènes en perpétuel répétition issues d’une vidéo musicale nommée Keep on Dancing d’André Tentugal. Ce projet est très justement nommé Eternal Moments.

Mais de manière plus tangible, le gif est réellement en train d’entrer dans l’art contemporain. Ce ne sera pas le premier produit du virtuel à s’y faire une place, quand on connait l’importance de plus en plus grande du Net Art dans certains milieux. Mais la galerie virtuelle Ani-Gif a déjà inauguré l’exposition de gifs, avec notamment le travail de Kim Asendorf, co-fondateur de la Fach & Asendorf Gallery . Cette galerie exposant certains Net artistes, Glitch artistes et autres projets multimédia à récemment lancé son dernier projet : GIF MARKET.
Gif Market est un projet visant à vendre 1024 gif en ligne, permettant à qui le souhaite d’acquérir cette pièce virtuelle et d’y apposer son nom. Les gifs se présentent sous la forme d’une ligne autour de laquelle tourne de 1 à 1024 pixels. Le prix est inversement proportionnel aux nombre de pixels et s’incrémente à chaque achat d’un des éléments de la série. (plus d’explications par là) Cette monétisation d’un élément immatériel est la première étape de l’entrée réel du gif dans le marché de l’Art. (Rafaël Rozendaal vendait déjà des URLs en tant qu’oeuvre, dans le neen art.)

Et si par hasard le support physique vous manque, la deadline pour l’exposition en Novembre à Antwerp de gifs imprimés arrive bientôt, vous pouvez toujours tenter votre chance. Sachant que le passage du gif au support physique est assez hasardeux, comme on peut le voir avec le projet Physical Gif, qui ne propose au final qu’un simple zootrope. La boucle est bouclée.

Et si par tout hasard, les gifs finissaient par vous faire saigner les yeux, crise d’épilepsie, ou qu’en tant que graphiste, les gifs publicitaires vous poussent à la dépression, la dernière solution est l’extension chrome gif-stopper.

Enfin, terminons sur un gif de bacon, ce qu’internet nous à peut-être donné de meilleur.

(oh et si le NSFW ne vous fait pas peur, j’ai pensé à vos yeux : Bisous.)

par le regretté http://www.theamazingshape.co.uk/

Quand les graphistes attaquent leurs contemporains, ils utilisent les armes qu’ils manient le mieux. Ce qui nous donne des productions pleines d’ironie et d’autodérision.
En effet, lorsqu’on est habitué à traîner sur les annuaires graphiques, recensant pèle-mêle les différentes inspirations d’une palette de graphistes éclectiques, tel que dribbble, ffffound, et autre site à triple lettres, on peut rapidement saisir les grandes tendances du moment. Tendances, voir même véritable overdose de style.

Personne n’est aveugle, mais la tentation est grande. Ces images fonctionnent bien, et même si l’esthétique prime sur le fond, il est toujours plaisant de se laisser aller à ces créations faciles. Pour parer à ça, certains graphistes s’amusent à produire des images auto référentielles, en décryptant et réutilisant ces codes contemporains, ce qui donne des images dont le sens est la recette de leur fabrication. Ce qui en somme est un exercice de style permettant de créer ce type d’image de manière décomplexée et de transformer les foudres des anticonformistes en une éloge de leur facultés d’analyse, de leur humour ou que sais-je encore.

Voilà donc un petit recensement du boulot de ces graphistes, en commençant par les affiches, l’article précédent s’étant déjà attaqué au motion design.

Robert Wilson, pour commencer, à réaliser en 2010 une série nommée TTTTrends (tiens, 4 lettres encore) d’affiches diverses et variées, dénonçant habilement ce conformisme trop présent dans certaines affiches et se permettant juste d’ouvrir le questionnement sur la présence de ces éléments graphiques omniprésent dans la sphère des graphistes qui prônent l’originalité avant-tout. On trouve d’autres essais sur ce sujet sur son flickr.

Swiss Poster by Robert Wilson

Diagonale by Robert Wilson

Blitz poster by Robert Wilson

Ce dernier poster est une parodie de la désormais incontournable affiche Keep Calm and Carry On, affiche de propagande britannique de 1939, remise au goût du jour il y a quelques années et maintenant décliné sous de multiples formes.

Dans un autre genre aussi clairement dénonciateur, Elliott Scott et Christopher Doyle ont réalisé un magazine intitulé « This Year I Will Try Not To« , où chaque page recense un cliché qu’ils auraient commis. Ce manifeste démontrant qu’ils ont conscience des lieux communs qu’ils ont produit, et de la nécessité de faire mieux, pousse l’ironie jusqu’à faire de l’objet lui même un de ces éléments critiqués : il s’agit d’une revue en édition limitée, signée à la main, dont la typo, la mise en page, les photos, pourraient sans conteste figurer dans une des pages.

Les mecs de http://anothertumblrfullofgraphicimages.tumblr.com/ s’amuse aussi à reprendre les codes, plutôt du graphisme d’illustration, plein d’effet de lumière, d’étoiles, et de triangles.

La typographie et les logos ne sont pas en reste. Le regain de créations utilisant un style vintage se fait ressentir dans tout les domaines, et les identités visuelles en abusant sont nombreuses.

Same Old Shit by Christopher Paul

Logotype by Robert Wilson

Certaines images ont ainsi fait le tour des blogs, montrant bien l’intérêt du milieu pour ce sujet.

I see this everywhere by Zack Isaacs

Mais on ne peut pas dénoncer des choses si communes sans soi-même tomber dans le cliché, et l’autodérision est a manier prudemment, au risque d’arriver à une sorte d’inception graphique.

La mode des citations en helvetica blanche sur les photos vintages, laissant à chacun l’opportunité de se croire graphiste, à ainsi été la cible de plusieurs personnes, et la blague est devenue redondante, certains allant même jusqu’à en créer un tumblr : http://badphotohelvetica.tumblr.com/

Original by Mario Andrei

http://anothertumblrfullofgraphicimages.tumblr.com/

find on 9gag.com

find on memerial.net

Quant à cette mode des effets vintages, ça mériterait d’y consacrer un article entier. A l’heure où la technologie numérique permet des photos de plus en plus techniquement réussie (cadrage automatique des visages, autocontraste, reconnaissance des sourires..), il serait intéressant d’analyser le regain d’intérêt pour la lomographie et l’engouement pour les applications à filtre automatique, tel que hypstamatic, instagram et j’en passe, et les raisons sociales sous-jacentes qui poussent la jeune génération à l’utiliser à tout va. Mais l’excellent article de Nathan Jurgenson, traduit par Owni, permet d’approfondir le sujet.

Pour conclure, le propos de cet article n’est pas de critiquer le graphisme fashion, ni de critiquer ceux qui le critique. Il s’agit simplement de rappeler que la pratique du design graphique tend à construire chaque projet par rapport à sa problématique unique. Quant à s’amuser à créer des choses dans l’ère du temps, cela permet à la fois de comprendre et d’utiliser les codes les plus répandus, de les dépasser dans un second temps pour produire du contenu original, et parfois même de rire de nos collègues. ou de nous-mêmes.

Le mot de la fin sera donc pour Franck Chimero.

Stop from Andrew Serkin on Vimeo.